Confesso la mia malcelata diffidenza verso il mite, sgraziato e angelico Antony e il suo nuovo disco con i suoi Johnsons. So che dovrei fregarmene, ma il troppo stroppia. Troppe sperticate lodi da ogni dove, troppi articoli sui giornali, comprese le riviste femminili ultrachic, troppe comparsate nei dischi altrui, da Bjork a Battiato. Aggiungo che da sempre è ambivalente il mio sentimento verso di lui. Da una parte adoro le sue canzoni (tutto “I’m a bird now” mi ha accompagnato sognante per un’intera estate, poi ho scoperto il suo primo album), dall’altra talvolta mi infastidisce la sua voce, sì proprio il suo tratto più caratteristico e osannato dai critici. E spesso mi ritrovo a chiedermi come sarebbero la sue canzoni cantate da altri. Una curiosità che mi ha stuzzicato anche mentre ascoltavo “The crying light”. Un disco di canzoni “da camera” quanto mai poetiche, come se venissero da un altro pianeta. La cosa che mi ha colpito positivamente di più non è la voce, ma l’arrangiamento, firmato in coppia con il compositore di musica contemporanea Nico Muhly (mi sto procurando avida i suoi dischi): suoni puliti, accenni di fiati, qualche percussione, gli archi mai invadenti, il pianoforte in primo piano. In “Aeon” è sostituito dalla chitarra elettrica, poche note cadono come pioggia, niente strumenti in “Dust e water”, solo voci, par d’essere nel buoi di una chiesa. La batteria di “Epilepsy is dancing” segue un ritmo insolito e intrigante, il finale di “Everglade” ricorda la sinfonie di Grieg, in “One dove” il sax sembra suonato da un clown triste. Nei testi – “emotional, mood or dream landscapes, it’s not so much to do with everyday places”, come ha detto lo stesso Antony – la parola più usata è love, seguita a ruota da cry, child, baby, heart. Il set è tutto immerso nella natura, bucolica e crepuscolare: “Another world”, come dice il titolo di una canzone, dove è bello perdersi, la sua voce soffia come una brezza leggera. E stavolta mi lascio buona buona accarezzare.

E’ uscito il primo singolo degli U2, “Get on your boots”, che preannuncia il nuovo album, “No line on the horizon”, previsto per il 2 marzo (lo potete ascoltare sul sito della band, http://goyb.u2.com). Ascoltato un paio di volte mi ha stufato. Francamente mi aspettavo qualcosa di più “nuovo”, ha troppe reminescenze vecchio stampo tra flower power e Beatles. D’altra parte non sono di primo pelo né loro né i tre megaproduttori assoldati per l’occasione. A questo proposito vi faccio leggere il parere di un mio caro amico, Sergio Cossu, che non si è fatto pregare per mettere nero su bianco quanto già detto in una nostra lunga chiacchierata sul rock, pop e dintorni (lui il pop l’ha fatto in prima persona, ma da anni si occupa d’altro…). Poche e assai poco lusinghiere le parole spese da entrambi per un’altra novità discografica, l’ultimo di Bruce. Cossu non l’ha mai particolarmente amato, io invece sì. Da ragazza ha segnato per sempre la mia concezione dell’amore (Thunder road), e la sua voce, quand’è usata nei toni bassi, è tra le mie preferite. Ma è da mo’ che non mi dice più niente. Io intanto confido nell’intero cd degli U2, sono più ottimista: vorrei almeno meno rock e più… qualcos’altro (dalla dance all’elettronica, Eno datti una mossa)

“Perché ad un certo punto della sua storia la musica pop è diventata un genere creativo dal quale nessuno decide mai di ritirarsi?

La musica pop è un genere effimero per definizione, ed anche i più dotati di talento hanno espresso il loro meglio in un numero limitato di anni.

Il periodo geniale dei Beatles è durato dal 1965 al 1969; Elvis diciamo dal 1956 al servizio militare, pochi anni dopo; gli Who dal 1965 a Who’s next (1971), Frank Zappa fino a Joe’s garage (12 anni circa) etc.

I cantanti di successo degli anni 50 e 60 spesso ad un certo punto della loro carriera hanno smesso di fare dischi (o sono morti, più elegantemente).

Perché oggi ritroviamo tutti in pista, da nilla pizzi ai kings of leon, da brian auger ai killers? Sì, è vero, molti di questi non hanno ricevuto dalla musica l’equivalente del 6 al superenalotto e diciamo che “tengono famiglia”; ok.

Ma chi glielo fa fare ancora agli u2 , al boss, a neil young, a vasco, a paul mccartney di fare ancora dischi non avendo più niente da dire, e avendo finito da tempo di pagare il mutuo?

Il nuvo cd di brooce non merita neanche commenti (direi che bertoncelli ha espresso il giudizio più acuto in merito); gli u2 escono con un singolo che non ha ne’ la dignità né la grandezza né la fierezza né la forza creativa né l’energia né l’amore di with or without you, o di pride (lo so, sono canzoni di 20 e più anni fa, ma non è colpa mia se la musica popo rock viene bene da giovani) ma neanche di the fly; è un simpatico pastiche semibeatlesiano, con un’incomprensibile inserto semidisco verso la fine, realizzato molto bene (regia di eno, lanois e steve lilliwhite) ma che non scuote neanche il più sensibile dei nostri precordi, singoli o collettivi.

Non paghi, qualche anno fa, di avere sponsorizzato pubblicamente l’ipod (o meglio, di essere stati ben foraggiati da apple per legare la loro immagine all’i-pod, il vero killer della musica dal 2000 in poi), il loro nuovo cd esce in più versioni: con libretto a più o meno pagine, in confezione di plastica o cartone, in vinile, etc etc.

Ma hanno davvero bisogno di fare i pupazzi da marketing strategies? Hanno davvero voglia di fare i take that, i giusy ferreri, i boys boys boys? Non hanno un hobby, una famiglia, dei libri da leggere, un parco in cui passeggiare?

Non è giunto il momento di fare una moratoria generale sulla produzione di dischi?

Un anno senza produrre musica registrata non potrebbe essere produttivo?

Magari molti “artisti”, giovani o vecchi, scoprirebbero che si può vivere anche senza fare dischi, e magari anche senza fare musica.

Ve li immaginate mazzola, rivera e cruyff che, per quanto grandissimi siano stati un tempo, che domenicalmente (un inebriante neologismo © by trapattoni) indossano parastinchi e calzoncini e scendono in campo in serie A?

Mozart è morto a 37 anni, charlie parker a 36. Vorrà pur dire qualcosa…”

Comincia un nuovo anno e non c’è rivista specializzata di musica che non chiami a raccolta redattori e collaboratori per l’immancabile classifica dei dischi più belli dell’anno appena defunto. E io ogni volta mi accorgo che non ho tenuto fede al proposito di segnarmi, da gennaio fino a dicembre, i miei dischi del cuore, così non mi trovo impreparata, non faccio confusione con i cd pubblicati l’anno prima. Già dai tempi del vinile ero una frana: non riuscivo a memorizzare titoli, formazioni, ricordavo bene solo l’immagine in copertina. Con i cd è stato ancora peggio, e poi la catastrofe dell’mp3: ricordare nomi, facce, autori, titoli è quasi impossibile. Da aggiungere che di un album salvo un paio o poco più di brani, il resto va subito nel dimenticatoio. Azzardo comunque qualche titolo per me degno di nota per il 2008: oltre a tutti i cd recensiti in questa mia rubrichetta (Sigur Ros, Beck, Oasis, Giant Sand, Bob Dylan d’annata) ho ascoltato con vero piacere le ultime fatiche di My Brightest Diamond “A thousand shark’s teeth”, Tricky “Knowle wets boy” (basta ascoltare la prima traccia, “Puppy toy” e sei catturato nelle sue avvolgenti, cattive spire), New Puritans e “Beat pyramid” (imprevedibili), la colonna sonora di “Mamma mia” (tanto aborrivo gli Abba, tamarri come pochi, quanto ho rivalutato parecchi testi e accordi versione Duemila), l’ep “Mastroianni” degli italiani Diva (tipo Baustelle, ma più spiritosi), le due giovani e promettenti Duffy con “Rockferry” e Adele con “19”(ad essere più precisi mi piacciono più le loro voci che alcune delle loro canzoni), “Dear science” dei newyorkesi Tv on the radio.

Carini ma nulla di più “To survive” di Joan Wasser (tranne “Eternal flame” che già conoscevo), Lambchop e “Oh – Ohio” (se ne salvano un paio, il resto scorre e non lascia traccia), Parenthetical Girls e “Entanglements” (la musica è ok, la voce è insopportabile), il ritorno dei B-52’s con “Funplex” (ma il tempo per loro non passa mai?).

Decisamente sopravvalutati dai giornalisti (che non chiamo volutamente colleghi) quel debosciato e inconcludente di Nicola Conte (c’è addirittura chi l’ha messo nella stessa pagina con Paolo Conte, approfittando della parziale omonimia), Golden Frapp versione intimista (meglio quando ci faceva allegramente sgambettare), The killers (tutto già sentito, e meglio), Afterhours (eppure Manuel Agnelli quando suonava travestito da ragazza era un figo…), Kings of leon e “Only by the night” (scherziamo?), Terrence Howard e “Shine through it” (niente voce e niente idee, meglio faccia l’attore). Deludenti gli ultimi Thievery Corporation. Interessanti ma non stravolgenti gli Acoustic Ladyland di “Skinny grin” (mi ricordano vagamente i Primus, ma quel sax in più è troppo onnipresente).

Non ho messo ancora le mani (cose tante cose da fare e così poco tempo…) su “Surfing” dei Megapuss (ovvero Devendra Barnhart e Fabrizio Moretti degli Strokes, complimenti se non altro per il nome irriverente della band), “4:13” dei Cure (ma ne varrà ancora la pena?), Bonnie “Prince” Billy e il suo “Lie down in the light”, “22 dreams” di Paul Weller (da non lasciar invece perdere in concerto, una garanzia), “Harps and angels” di Randy Newman (ho letto meraviglie, lui mi piaceva molto ai tempi di “Short people” ma poi… perso per strada), “Hurricane” di Grace Jones e la compilation “Catwalk breakdown” selezionata da Vivienne Westwood, la mia stilista preferita, per le sue sfilate (sono irrimediabilmente curiosa), Matthew Herbert e “There’s me and there’s you” con una big band di venti elementi.

Mi sono sicuramente dimenticata qualcuno, per cui vi lascio con un bel 1)continua… non si sa mai.

Poche parole, subito, anche se non è serio scrivere di un disco quando non lo si è ascoltato bene. Io “Tell tale signs”  di Bob Dylan non l’ho addirittura ascoltato tutto, sono alla traccia 8 del primo dei due cd. Ma è talmente… potente che non posso fare altrimenti. E’ la raccolta delle “Bootleg series” numero 8, ma niente rarità d’annata, roba vecchia. Solo (solo?!?) canzoni che vanno dal 1989 a un paio d’anni fa, mai uscite nei dischi di quel periodo oppure rivisitate dallo stesso Dylan più una manciata di registrazioni live. E basta sentire la prima, “Mississippi”, che non ha trovato posto in “Time out of mind” perché ti si allarghi il cuore e le altre intanto non ti deludono. Perché ancora una volta riscopri che Dylan resta inimitabile, anche come cantante. Che voce… Io l’ho amato molto da ragazzina, la mia formazione emotiva e sentimentale è nata e cresciuta con lui. Poi l’ho perso per strada, quelle menate con Gesù e compagni non le ho più sentite così mie. Ma ogni volta che ricasco nel suo gorgo mi lascio voluttuosamente catturare, appagata. Se ancora non l’avete fatto, lasciate stare la rete, niente mp3 stavolta. Per la qualità del suono e per quel libro di ben 62 pagine ricche di storie, segreti, curiosità, più un’esauriente sfilza di credits canzone per canzone e tante fotografie. Staccate i telefoni, fuori tutti, ed entrate nell’altro mondo. E’ il più bel regalo che potete farvi. A me è toccata la fortuna di riceverlo, inaspettato e folgorante come un fulmine a squarciare la nebbiolina padana: vale più di un mazzo di 100 rose rosse. E Dio solo sa quanto mi piacciono i fiori….

Finalmente si rimette in ballo il “titolo” di giornalista-dj, conquistato mesi or sono al circolo Pixelle. E’ sua l’idea di mette in gara a suon di musica i giornalisti della stampa locale, non necessariamente del settore spettacoli, gente che non ha molta  dimestichezza alla consolle. Nella nuova sede del Pixelle in via Turazza 19 (zona Stanga) a Padova la sera di mercoledì 22 ottobre dovrò vedermela ai piatti (pardon, ai lettori cd…) con Federica Baretti, che scrive per il Corriere del Veneto a Treviso. Chi si trovasse in zona venga a fare il tifo! Per chi invece non sarà dei nostri conto di farvi sapere, ovviamente non prima della sfida, la mia scaletta. 

Ci sono persone che senti amiche, per davvero, anche se non le vedi a cena, non ci vai in vacanza insieme. Addirittura non le frequenti proprio. Ma le senti molto vicine per intenti, per spirito di battaglia, per amore innato verso la musica, per un comune destino, voluto, da cane sciolto. Carlo De Pirro per me era così. Bastava intravvedersi ad un concerto, un cenno, un sorriso ed era come se ci fossimo detti tutto. E non perché eravamo tutte e due lì come giornalisti. Colleghi ma per due testate concorrenti, io rockettara, lui “colto”, io per tentare di gustare brani scritti troppi secoli fa, lui come critico. Ma Carlo era mooolto più avanti di me perché era anche, soprattutto, un musicista e un compositore. Il suo indomabile cuore, forte come una roccia, s’è arreso a 51 anni nella lotta con una malattia sleale il 27 maggio. Una malattia combattuta con sfrontata compostezza, quasi con distacco. Nato ad Adria nel 1956, padre toscano e madre emiliana, durante l’infanzia era vissuto tra Napoli e la Liguria, per poi stabilirsi da ragazzino a Padova, sua città d’adozione. Qui, al conservatorio “Pollini”, studiò con Wolfango Dalla Vecchia, diplomandosi in Composizione e perfezionandosi poi con Franco Donatoni e Salvatore Sciarrino. A sua volta dedicò molti anni all’insegnamento come docente di Armonia e Contrappunto al conservatorio “Venezze” di Rovigo e al giornalismo come critico musicale. Innumerevoli le sue conferenze: Biennale veneziana, Accademia Sibelius a Helsinki, Accademia Olimpica a Vicenza, Università di Padova, Torino, Venezia e molte altre istituzioni culturali e concertistiche. Da ricordare in particolare i suoi lavori su musica e computer: importante la collaborazione con Alvise Vidolin e il Centro di Sonologia Computazionale dell’Università padovana. Nel 2003 fu tra i fondatori del “Comitato per l’auditorium” di Padova e come suo rappresentante fece parte della commissione giudicatrice dei progetti ammessi al concorso indetto dal Comune. Già ferocemente provato dalla malattia aveva ripreso le idee del “comitato” per organizzare la scorsa primavera una manifestazione di protesta contro le polemiche che stanno tuttora paurosamente ritardando la realizzazione del progetto vincitore e contro l’indifferenza dei musicisti padovani. Le sue composizioni sono state commissionate dalla Biennale di Musica di Venezia ed eseguite in Italia e all’estero (tra tutte ci piace ricordare “Auretta assai gentil” per violino e pianoforte alla Carnegie Hall di New York nel 2003), trasmesse da Radio3 e Radio France, incise dalla Edipan di Roma e dalla Fonit Cetra e pubblicate da Ricordi. Tra i suoi lavori vogliamo segnalare per la Biennale Musica “Nove finali” nel ’95, “L’angelo e l’aura” con libretto del fido Andrea Vivarelli al Malibran e “Messaggeri e messaggini” all’Arsenale nel 2005. E ancora “Caos dolce caos” (debutto per Operagiovani al Teatro Sociale di Rovigo) nel 2001 e le “Sette stazioni di luce” per flauto del 2003. Singolarissima e anticonformista la collaborazione con i Solisti Veneti di Padova: Carlo, da sempre pronto ad abbattere i confini tra classica e contemporanea, ha composto per Claudio Scimone e la sua orchestra il concerto cangiante “Di luce e di vento” nel 2004, “Come sono suono” per cornista a rotelle e tromba di scorta nel 2006 e “La notte, la danza, il dono” nel 2007, suonata per il tradizionale concerto di Natale ai Servi. Per la “Giornata dell’ascolto” dello scorso anno presentò nel Salone del Palazzo della Ragione “Il tempo sospeso” per disklavier e nastro magnetico. Alla sua passione per il pianoforte comandato dal computer, protagonista anche di un concerto eseguito al Piccolo Teatro padovano sempre nel 2007, affiancava quella per le più curiose macchine sonore (memorabile il flipper “Anche tu musicista con 500 lire”) e i carillon: indimenticabile quello creato con lamine di metallo, seghe circolari e vetri di Murano per l’installazione sonora all’Expo 2002 in Svizzera, che ha poi trovato casa nel parco di Pinocchio a Collodi. Perché per Carlo la musica contemporanea voleva dire anche divertimento, gioco, sberleffo, poesia. Non per pochissimi, selezionati intenditori, ma per tutti. Mi diceva: “Trovo perverso distinguere tra classica e contemporanea, colta e pop, così come parlare ad una nicchia di esperti. Preferisco il metodo Mozart: “Questi concerti sono molto brillanti, gradevoli all’orecchio e naturali senza cadere nella vacuità. In alcuni punti solo gli intenditori possono cavarne diletto, ma faccio in modo che anche i non intenditori restino contenti, pur senza saperne il perché”.

Carlo torna anche quest’anno alla Biennale Musica di Venezia, intitolata “Radici futuro”. A ricordarlo saranno le sue composizioni, eseguite in due concerti. Un doveroso, affettuoso omaggio che curiosamente non ha ancora coinvolto le stagioni concertistiche di Padova, sua città d’adozione. Nei programmi dell’Orchestra di Padova e del Veneto, degli Amici della Musica e dei Solisti Veneti infatti De Pirro, che scrisse tre partiture proprio per Claudio Scimone, non compare. La Biennale veneziana vanta anche il merito di far ascoltare al pubblico “Descendit”, una composizione richiesta a Carlo dalla società musicale “Francesco Venezze” di Rovigo alla fine del 2007 per un concerto al tempio della Rotonda ma mai eseguito dal Quartetto della Scala, che non trovò neppure il tempo di provare il breve pezzo di contemporanea (10 minuti!) e si limitò ai collaudati Schubert e Beethoven. Il frutto di quattro mesi di scrittura, affrontati con passione nonostante l’aggravarsi della malattia e la mancanza di compenso, sarà finalmente eseguito domenica 5 ottobre alle 17 nella sale Apollinee della Fenice dal Quartetto d’archi del teatro veneziano, a fianco di composizioni di Beethoven e Nono. Venerdì 17 ottobre, sempre alle 17 ma nella sala concerti del conservatorio “Benedetto Marcello”, Carlo de Pirro aprirà il diciassettesimo colloquio di informatica musicale con ”Tempo sospeso”, per disklavier e nastro magnetico, composto in occasione della “Giornata dell’ascolto” di Padova del 2007 per andare in scena nel Salone del Palazzo della Ragione dalle 10 del mattino alle 11 di sera. Come critico De Pirro seguì numerose edizioni del Festival veneziano e fu invitato per la prima volta come compositore nel 1995 con un pezzo intitolato “Nove finali” per pianoforte, violino e violoncello, due clarinetti, suoni campionati e live electronics. Dieci anni dopo la Biennale Musica, per la sua vena creativa “assolutamente originale, la capacità davvero rara di raccontare storie, sogni, fantasie nel teatro musicale”, gli commissionò “Messaggeri e messaggini”. Sul palco le sue incredibili invenzioni sceniche e sonore: stelle di luce, campane tubolari, macchine orgogliose e giostre sonore. Scriveva: “Ogni rumore, se ascoltato a lungo, diventa una voce come diceva Victor Hugo in “La fin de Satan”. E non si spiegherebbe perché l’Harley Davidson abbia brevettato il rumore del suo motore se non per l’esclusivo tuffo al cuore che provoca nei suoi consumatori!”.